MANIFESTO 藝術主旨

| EXPRESSING THE “TOTALIZED VOICE” a manifesto |

(This manifesto will forever be incomplete)
Last updated: 31/7/2023

Opening Statement

Each medium has its limitations. One cannot fully express the complicated self if he chooses to resign in one or merely few mediums. It is not simply desirable, but essential to familiarize oneself with the myriad artforms, as they are different means of expression, in which allows you to find a "totalized voice" (an extension to Richard Wagner's Gesamkuntstwerk). It is irresponsible for an artist to indulge in one stream and not the full breadth of art. 
*This website therefore documents, professional or however amateurish, my journey into exploring my entire being. 

First stage: Observation and Appreciation. (Look at as much of the medium as you can get your hands on, and try and appreciate or critique it. For instance painting - you want to start looking at paintings from each art movement, from each country, from each artist. Find what you like and don't like, and never stop asking why that is. What does it say about who you are?)

Second stage: Learn. (Learn everything, then practice in focus. For instance music - learn to read a score, learn to play an instrument, learn to compose, learn to arrange, learn to mix. Take what you like about this medium, and learn as deeply as possible.)

Third stage: Application. (Apply what you've learnt into something you're familiar with. For instance a musician trying playwriting - listen to a song you've written, and let that inspire your play. How can you write it so that the music fits perfectly with the story, how do you pace it? What is the world like? What words would you choose? How long and short are each sentence? How much pauses are used? What is the mood? etc.)

Fourth stage: Adaptation and Transformation. (Now you've learnt enough about this medium. Explore what is unique about it. Why do you have to use this medium and nothing else. What makes it irreplaceable? In what circumstance does it trump every other medium? In what contexts does this medium makes the most sense? I did a dance film on 1984, because watching through a TV mimics the feel of surveillance, dance because characters don't think in words. Makes sense. I did an immersive theatre piece about an Art Heist, because theatre allow tactility, realness, and spontaneity to a degree that no other mediums can provide, I want the audience to feel the adrenaline rush as the heist happens.)

Rinse and repeat. And then you'll realize, that if you're an actor, learning singing will provide you an intuition to how you use your voice, pace your dialogues; if you're a visual artist, learning playwriting will provide you an intuition to how you construct a story that extends beyond the moment of the painting; if you're a director, learning dance will provide you an intuition to how you put actors in the space. It's time-consuming, but in the long run, it gives you fresh eyes that far exceeds your peers whom are focused on one thing. 

Art is an expression of the self, not a competition of technique. Art is meaningless without a totalized voice. 

It is counterintuitive, but for me, I always start with the idea, then I choose the medium. 
Then the medium will be in complete synchrony with the idea. 

(To be written. Any discussion is welcomed.)

「空白頁」後續訪談 — 要看遍整個宇宙,才知道哪裡能夠容納自己

Original Source: https://www.musicaltrio.hk/post/%E3%80%8C%E7%A9%BA%E7%99%BD-%E9%A0%81%E3%80%8D%E5%BE%8C%E7%BA%8C%E8%A8%AA%E8%AB%87-%E6%A5%8A%E7%AB%A3%E6%B7%98%EF%BC%9A%E8%A6%81%E7%9C%8B%E9%81%8D%E6%95%B4%E5%80%8B%E5%AE%87%E5%AE%99%EF%BC%8C%E6%89%8D%E7%9F%A5%E9%81%93%E5%93%AA%E8%A3%A1%E8%83%BD%E5%A4%A0%E5%AE%B9%E7%B4%8D%E8%87%AA%E5%B7%B1

1. 可以分享一下創作的過程嗎?

靈感

靈感總會在意想不到的時候出現,所以必定長期有一本筆記本,寫下這些突如其來的點子。不知道什麼時候會有用,但寫下來就不會忘記。當你有一個很喜歡的點子的時候,你是會察覺到的。因為你會無時無刻都想著它,它會佔據你的生活,就像一個慢性疾病等著你去處理。就算你嘗試將它擱置一旁,日常的各樣瑣碎都會提醒你它的存在。這個時候就是起筆的黃金時機。《畢加索的「格爾尼卡」》就是這樣誕生。拿去比賽的第一稿只用了兩天去完成;但我花了兩個月去閱讀書本,放下書本後亦有大概一個月時間去尋味和醞釀,整個過程亦可算是用了三個月時間。實行是靠努力,靈感是靠運氣。靈感如此變幻莫測,它來臨的時候必定要記錄下來。開始收集自己最人性、最有趣、最奇怪的經歷和想法吧。


欣賞藝術的時候,必須抱住批判精神。我在看完表演回家後都會寫感想,將自己喜歡和不喜歡的地方記錄下來,然後反思創作者為何成功或者失敗。好學的時候試過寫二十頁的感想,圖文並茂。一個好的作品真的需要認真咀嚼,不然很快就會忘記當中細節。相反一個壞的作品若果只是帶來憤怒,那便是浪費時間和金錢了。可以嘗試藉住這個機會思考創作者在什麼地方做得未夠好,然後想像自己如何挽救同一個作品。消化別人的藝術會對自己的作品產生衝擊、新靈感,你亦會更加了解自己的品味和目標。我會建議大家可以從多方面思考:故事、音樂、聲效、燈光、佈景、服裝、演技、美學,甚至是觀眾類別、劇場地理位置、觀眾席編排、表演時間、宣傳手法、戲飛價錢、自己當天心情等等,一切都會影響享受程度。我深信如果你可以清晰批評別人的作品,你便能夠看清自己作品的問題。

實行

每個香港人都有拖延症,所以一個嚴格的 DEADLINE 對我而言是無比重要。我是一個沒有 Deadline 就會無心工作的人。開展一個計劃就像拿起一張藏寶圖,目標就是地圖上的交叉。如果給你一個星期去找這個交叉,或許你會到海邊看看風景,在樹林觀察各種生物,慢條斯理地享受當下。相反地如果給你一小時去找這個交叉,這趟探險又會是另一種體驗。你會把握時間,毫不猶疑向目標進發。創作就是要在這兩個極端中取得平衡,找到一個適合自己的時限。我最好的文章永遠都在考場裡誕生,因為時間壓力會令腎上腺素飆高,幫我進入心流,腦裡的天線都會因此開啟。得到靈感的同時,滿足感又會提升多巴胺,進入一個不能自拔、欣喜若狂的忘我境界。太少時間會做不到滿意的作品;太多時間會適得其反,令自己有空餘時間偷懶。目標是深入的工作,不是長時間的工作。知道自己工作速度,下次便可以預留剛好足夠的時限去保證作品的質素。感激今次空白頁定下了一個 DEADLINE 給我,讓《畢加索的「格爾尼卡」》提前三五七年面世。

創作時應該邊做邊學,有輸入才有輸出。活於資訊世代的好處就是到處都可以找到老師。我中學時期養成的習慣就是:當我有問題,必定第一時間上 Google 和 Youtube 找答案。若果你的製作方法與以前一樣,你做出來的成品都難以有進步,因此要虛心好學、增廣見聞,務求令作品質素有所提升。我以往的原創音樂都是以無伴奏形式去呈現,所以從來都不需要用到 Logic的樂器。參加「空白頁」,我需要提交 Demo 和 MMO,還有想嘗試製作 Trap Music 和 Big Band Music,但是 Logic 樂器的聲音非常機械化,所以我下定決心一定要學識如何用 Plug-In。在 Youtube 輸入「Free Logic Plug-In」,便是過百個非常了得的樂器 Sample,好像突然多了一堆玩具一樣!工具多了,作品可以走的方向也多了。別讓自己不懂的事情限制自己的想像。我以前打樂譜是用 Finale 的,但是實在太多缺陷,時常出現電腦癱瘓的情況,我向 Edgar 老師求救,他推介我用 Sibelius。我知道若然重新學習一個新軟件會花上很多時間。但我最後都決定「搏一鋪」,安裝了 Trial Version,因為長遠來説如果軟件順暢的話是會節省很多時間,亦會大量減少自己負面情緒。結果我成為 Sibelius 的忠粉。如果你的工具無法將你腦裡的畫面呈現出來,這就代表你是時候去學習了!

(編按:Logic Pro是音樂製作經常會用到的專業軟件)

修改

「完成一個差的作品」比「完成不了作品」好!我們總會有很多原因提交不了作品:害怕失敗、害怕別人眼光、做到沒趣、覺得辛苦。如果藝術家的作品是他們的嬰兒,那麼中途放棄就可以比喻成墮胎,奪取他們存活在世上的機會。以前欠交功課會扣分,但是在自由工作者的世界裡,只有你知道自己有沒有完成工作。很多人説過程比製成品重要,但千萬不要忽視完成一個作品的重要性。完成才會帶來進步和成功感!完成之後還要展示自己的製成品。Austin Kleon 有一本「Show Your Work」好值得所有藝術家看。有些人説藝術是可有可無的,亦有些人説藝術是可以改變生命的,但不公開作品就一定是浪費地球資源。你也想自己的兒女對世界有貢獻、有影響、有價值吧。不論好與壞,完成與公開作品便是一個大成功!


公開作品之後要聆聽別人對你作品的評價。 很坦白說,我很怕聽別人意見。但是,聆聽意見是一樣必須克服的問題。Jordan Peterson 有講過:「Assume that the person you are listening to might know something you don’t.」每個人都有他獨特的長處和短處、有自己的世界觀、有自己對藝術的追求和看法。其他人必定看到一些自己沒有留意到的問題,又或者是解決方法。細心理解每個人對你的作品的感想,然後慢慢咀嚼。若果幾天後還是覺得需要修改的話才好動筆。就算批評你作品的人是一位你很仰慕的人又或者是一位很有成就的長輩,只有你最清楚自己想要什麼,所以只有你有最終的決定權。無論意見是讚或是彈都一定要聽,消化後再決定是否需要修改,所有改動都要自己一力承擔。

2. 在「空白頁」的過程中,有甚麼心路歷程?

構思故事是最花時間的,因為戲劇是邏輯性的媒體,意思是它本身有潛在的對與錯。若果角色突然做一些不符合人設的事情,故事就會失去真實感,觀眾亦會失去投入感。故事引人入勝的最大原因是觀眾覺得自己有機會猜想到情節會如何發展下去。如果故事發展不符合邏輯,會令觀眾有被騙的感覺,因為劇情根本沒可能被預測到。反之如果故事順理成章地發生但是欠缺驚奇,亦會失去趣味。能夠將劇情寫得意想不到同時合情合理,這就考創作人功架了。

改編的好處就是文本和歷史已經將邏輯問題一一解決。你不可以質疑故事的邏輯性,因為這些情節就是在真實世界發生過,但你可以質疑它的準確性。我在今次創作遇到的困難就是如何將龐大的資訊簡化和保留精髓。我相信故事勝於一切,所以即使是作曲、填詞比賽,我第一件事一定要梳理好整個脈絡,知道需要什麼場景和人物去呈現我的故事。這樣才知道歌曲的作用,和它如何推進劇情發展。這一次我做了一個實驗,就是首先以台詞形式去寫,然後將它轉化為歌詞,最後才幫它加上音樂。Pixar 的員工會說「Story is King」,說好你的故事就是你的目標,如果你清晰知道你的故事的起承轉合是什麼,下筆的時候必定一帆風順。

同時擔任作曲和填詞的好處,就是當旋律不好聽我可以選擇改詞,當找不到好的字眼我可以改旋律。意思是我遇到困難的時候,我有更多出口可以選擇。但如果你像我一樣喜歡攤開所有選擇才下決定的話,多出口反而可以令你的抉擇更精準。以前這個來回的過程虛耗很多時間,所以很多時覺得做好自己部分就算。如果填詞和作曲在創作的過程可以坐在一起,遇到問題時一起列出不同的解決方法,必定能令製成品更上一層樓!

「空白頁」最令人難忘的,是第一次看見演員和製作團隊唱著自己寫的歌詞和旋律的時候。他們角色的演繹是充滿驚喜,甚至比我腦海中原有的畫面更立體和生動。在排練中會有演員把我拉到一旁,讓我補充一些作品裡沒有提到的背景資料,一同細膩和斟酌文本與歷史。這亦讓我知道有哪些地方可能處理上不夠清晰。一般來說,導演會以演員的質地和演繹決定台詞如何呈現,編舞會根據舞者的技能在舞蹈上作調整,編劇有讀劇平台去吸取意見去改良,反而作曲、填詞甚少有這些交流和改動的機會。我想這應該就是「空白頁」想解決的事情吧。很多時第一稿的歌詞和音樂就是最後一稿,因為唱不好,是音樂總監和歌唱指導的錯;而演不好,是導演的錯。但其實如果彩排時可以有作曲和填詞在場一同給予意見,也許作品會更有力。我希望日後也可以拿捏到表演者和創作人互相影響的創作文化。

3. 在「空白頁」後你有甚麼期望?

有機會的話,我想將 Hugh Eakin 的《Picasso's War 畢加索之戰》寫成一套 2.5 小時的通唱音樂劇,呈現手法會包括現場繪畫和形體。故事會捕捉畢卡索與美國藝術市場微妙與動盪的關係,紀錄 John Quinn 和 Alfred Barr 如何在美國造就了畢卡索,令紐約取代巴黎成為現代藝術的新天堂。若有更大的資助,我希望能夠找到 15 位演員去成就這齣表演!

個人而言,我會繼續創作、繼續嘗試不同媒體。我覺得自己有很多不同的興趣,尤其當它與藝術有關,就想認識更多。很多人叫我要選擇、要專一,但我不認同的,反而我想分享一個小理論:我覺得藝術家是需要學習不同媒體,因為它會影響自己對藝術的理解和感覺:學寫歌,影響了我鋪排台詞的節奏;學編舞,影響了我排戲時走位的設計。其實所有媒體都是自我表達的工具,當你認識更多,能夠呈現理念的方法就更多。你要知道所有可能性,才知道哪一個方法最好。我喜歡先有想說的故事,然後才決定用什麼方法呈現。可能你最近也有一個點子想以音樂呈現,不妨問一問自己如果用另一個媒體呈現的話,效果會否更好?如果會的話,你又會不會有勇氣進入一個新領域,嘗試一樣你未曾接觸過的媒體,務求將點子的影響力最大化?我想把握自己的青春,讓自己放任去玩、放膽去試,不要框死自己的未來。要看遍整個宇宙,才知道哪裡能夠容納自己。